DECALOGUE: 10 filmer som erövrade Berlin

Berlin International Film Festival har blivit en av de viktigaste filmevenemangen i världen

Grundades 1951, Berlinale, Berlin International Film Festival, har blivit en av de viktigaste filmevenemangen i världen, en arena som kombinerar innehållet i författarens film, branschens bakgrund och filmskaparnas möte som visar olika ämnen ur deras perspektiv samt sociala och politiska händelser. Född precis mellan askan från andra världskriget, nedsänkt i det ideologiska dilemmaet som skulle bygga en mur och se den kollapsa, kämpade festivalen för att bli en punkt för enhet när staden splittrades.

På detta sätt erbjöd han ett uttrycksutrymme för alternativ film, suggestiv, vågad, fördömer och reflekterande över ämnen som knappast utforskade branschens stora produktioner. Och även om distribuerarnas medium bebod festivalen sedan starten, med tiden rymde den kommersiella produktioner så att de från sitt sponsring finansierade kortvariga aktiviteter som förstärkte utställningen av författarens filmer med mer konstnärliga än kommersiella åsikter.

Denna blandning av konst och glamour placerade Berlinale på nivå med tävlingarna i Venedig och Cannes, och förvandlade organisationsturnén till en plattform för konceptuella filmskapare och för dem som deltar i innehållsreklam. Berlinale, med förbehåll för den schemalagda tiden, genererar alternativa evenemang under året i den mytiska tyska staden, eftersom det från början föreslogs att ändra storlek på den tyska biografen som hade ett mössa i slutet av 20-talet och början av 30-talet kreativt, vars expressionistiska inflytande skulle se efter kriget, ankomsten av italiensk neorealism och andra filmströmmar, konvergerar i ett parallellt men symmetriskt universum i dess behov att uttrycka blad från den väpnade konflikten och den ideologiska uppdelningen av tanken.

I år bevittnade den 68: e upplagan av den berömda festivalen den kontroversiella triumfen i filmen Touch Me Not, regisserad av den rumänska Adina Pintilie, som vann Golden Bear, maximalt erkännande av festivalen, som har tilldelats mytiska filmer och filmskapare legendariska som har gjort Berlinale till en av de viktigaste firandet av den sjunde konsten: Satyajit Ray, Jim Sheridan, Michelangelo Antonioni, John Schlesinger, Roman Polanski, Vittorio De Sica, Robert Altman, Carlos Saura, Zhang Yimou, Costa-Gavras, Ang Lee, Milos Forman eller Paul Greengrass, är några av de regissörer som har fått det prestigefyllda erkännandet.

I denna utgåva av DECÁLOGO delar vi reflektioner över 10 av banden som erövrade Berlinale och varför några av dem avgränsade en förändring i den årliga utställningen av filmer och deras berättelser. Bandets ordning beror inte på en hierarkisk klassificering utan en personlig uppskattning, och i stället för 10 filmer delar vi den korta reflektionen av 12, i hyllning till en av de första prisbelönta prestationerna i den tyska tävlingen.

12. 12 män i konflikt (12 arga män) 1957

Dir. Sidney Lumet

Premiäropera av regissören Sidney Lumet, 12 män i konflikt blev en omedelbar klassiker tack vare deras tveksamma argument, att samma väger de positioner och fördomar som antagandet och kallelsen för rättvisa baserat på bevis på ett mord. En ung man som anklagas för att ha slutfört sin far är det argument som Reginald Rose skrev för tv och att han i sin filmanpassning katapulterade inte bara regissören utan polisbiomen baserad på muntliga prövningar på en superlativ nivå, inramad i ett rum i vars säten konvergerar säkerhet, tvivel, misstänksamhet, sunt förnuft, debatt, dialog och avtal.

Henry Fonda gör, i en utmärkt föreställning, juryn nummer 8 till en karaktär som är samma idealist som en hjälte, som agerar som advokat och försvarare av rättvisa, utan att kringgå faktum utan öppnar möjligheter till domen. Lee J. Cobb erbjuder en mytisk föreställning för den första amerikanska filmen som erövrade Berlinale och för övrigt öppnade för första gången de ekonomiska möjligheterna till samarbete mellan den tyska semestern och Hollywood.

11. På kropp och själ (On Body and Soul) 2017

Dir. Ildikó Enyedi

En lyrisk, känslomässig, djup, hjärtskärande poesi från deras tystnader, svårt av smärta i sina obehandlade kramar och ett originellt okonventionellt romantiskt verk, gör i kropp och själ en inställning till mänskliga relationer från empati och drömmar. Enyedi presenterar en visuell ram inramad i en arbetsmiljö, ett spår, där grymhet eller mänskligt behov samexisterar, som de otrycksfulla känslorna i vardagslivet samexisterar som, utan att låtsas, hjälper ömsesidighetens mirakel.

En vy av det andra som konfronteras, om livets existentiella tomhet och slöhet som korsar sig utan tid eller ålder för att möta i nattdrömmar och i monotoni av dagar. Enyedi gör varje paus till ett ögonblick av intim introspektion, lyckas skapa dialoger av tankar och drömmar, en mötesplats för kärlek, empati och känsla till det tomrum som denna dröm tjänar som ett mirakel. Åtgärderna sticker ut för deras åtföljande värme trots kylan som ledningen tillåter licenser för terror eller övergivande, och hoppet som flyter till självmord som ett hot är kanske det mest poetiska av dess sekvenser. Ett mästerverk av postmodernitet, en nick till kommunikation som fungerar på avstånd, när vår varelse längtar efter en kram, en konversation, någon som lyssnar på oss eller bara delar drömmar med oss.

10. När bröderna träffas (Rain Man) 1988

Direktör Barry Levinson

Med Dustin Hoffman och Tom Cruise i huvudrollen, När bröderna möts uppnådde han en konstnärlig och kommersiell milstolpe som till och med har ifrågasatt hans filmiska värde. Och kritiken går från anklagelsen av en väpnad intrig för sentimentalitet, till karikaturisering av autism; ändå, karisma från dess huvudpersoner, bildernas känslomässighet, Hans Zimmer musik, turnén på en väg, städer, platser, ett spel på den skurkiga platsen i Las Vegas, glidningen nerför den elektriska trappan till två tvillingkläder eller en dans till hissen, gjorde filmen till en riktig box office-triumf som inte bara lyckades vinna Berlinale utan också Oscar-priset för bästa film och samtidigt vara den högsta bruttofilmen för det året.

Raymond Babbitt (Dustin Hoffman) och Charlie Babbitt (Tom Cruise) är två bröder som återförenas efter sin fars död och den efterföljande läsningen av en testament som som en genererande handling förenar dem till ödet. Den unga Charlie är pretentiös och full av ambitioner, han ger inte kredit för att behöva dela arvet med sin bror, ännu mindre när han upptäcker att detta, för honom, består av en klassisk Buick, som alltid förbjöds att använda av hans far, medan Ray är den enda materiella tillgången som kan lösa hans ekonomiska problem hos den unga mannen. Men filmens komplexitet är att Ray lider av autism och befinner sig i en klinik från vilken han kommer att behöva gå ut under Charlies tvång, att ta en turné - återigen resan som berättande premiss - för att bosätta sig i de rester som regnet ger definition av de åren då bröderna var tillsammans.

Charlie varnar tidens minnen när det resonerar att Ray bebor de skuggor i sin barndom som han avslöjar när handlingen fortskrider. Roliga situationer, oroande, utmaningar, triumfer, raserianfall, attacker och ångest, ger en följd av bilder som Ray fångar på den furtiva resan, i en kamera som fångar vägkorsningen, tecken och broderliga känslor som i slutändan, lämna dörren öppen för framtida återföreningar.

9. The Force of Love (Love Streams) 1984

Dir. John Cassavetes

Om Berlinfestivalen senare kunde kritiseras för att ha stöttat Hollywood-filmer, var festivalen själv ansvarig för att oskärpa kritik med triumfen i oberoende film som gjorde sin väg i Hollywood i mitten av ett decennium som kännetecknades av blockbusternas åsikt . Pioneer för det alternativa förverkligandet, skådespelare och regissör, ​​John Cassavetes gjorde The Force of Love till ett rikligt porträtt av dotterförhållandet mellan två bröder, Robert och Sarah, tolkat intenst av Cassavetes själv och Gena Rowlands respektive, som efter kärlekens visicitudes, faderskapet, övergivandet, frånvarande inspiration och slitage på en väg som färdas mellan de ostoppbara strömmarna och sökandet efter en broderlig knä, finns som livräddare i känslan av kärlek och passioner som inte återspeglas på motsvarande sätt och spill in i självförstörelse av bilagor. Ett rop om förståelse, utropen av varvet, samtalet som hanterar sprickningen av de svagaste stiftelserna och som vädjar till styrkan av tillgivenhet som bara brorskap kan skydda som bevis.

Liksom när bröderna möts adresserar kärlekens kraft två mötesbröder, även om till skillnad från den föregående, där de sörjade är praktiskt taget okända och deras minnen bebor ett vagt minne, återupplämnar detaljerna i Cassavetes detaljerna som De tillåter en delad lättnad. Medan John Jarmush gjorde Strangers in Paradise till en framgång för Cannes-festivalen, erövrade Cassavetes, inspirerare av självständigt förverkligande i USA, Berlin med sin hjärtskärande kärlek.

8. Berättelserna om Canterbury (I racconti di Canterbury) 1972

Dir. Pier Paolo Pasolini

En serie berättelser åtföljd av pilgrimsfärd av tro och de trosuppfattningar som följer med resan till Canterbury-katedralen i Storbritannien utgör det berättande utfallet skriven av Geoffrey Chaucer mellan slutet av 1300- och 1400-talet, toppen av de sista dagarna av medeltiden, där en bankett väntar pendlare som kommer tillsammans som ett löfte.

Pier Paolo Pasolini presenterar sin andra del i livets trilogi, som inkluderar The Decameron de Boccaccio och The Arabian Nights i den populära boken The Thousand and One Nights, som ett bevis på medeltida litteratur, till vilken han häller irreverens, provocerande, suggestiv och surrealistiskt presenterar han sitt visuella förslag och lägger till sin anpassning de prosaiska, lyriska och poetiska förutsättningarna som kännetecknade hans kraftfulla och kontroversiella sekvenser. Samtidigt som historiens ändlösa sponsring vädjar filmens struktur till fantasin, historien, till händelserna, anekdoter och uppfinningsrikedom som den imaginära resursen som underhåller pilgrimerna i synergi, genom åtta berättelser där ädla och bönder, präster och demoner, bygger ett jonglerbrödraskap som distraherar resan som förutsäger dess ankomst. Berlinale belönar således en annan ansikte av italiensk film, som upplever från den traditionella lyriken de kreativa och dekonstruktiva möjligheterna till en av dess mest framgångsrika och mytiska exponenter.

7. Den tunna röda linjen (The Thin Red Line) 1998

Dir. Terrence Malick

Nästan 20 år efter hans sista film, Terrence Malick, en mytisk amerikansk filmare och filosof, presenterade på Berlinale sin episka vision av andra världskriget, inslaget i ett dynamiskt fotografi, men med samma poetiska bakgrund som i varje ord släpper han Dolos och den återkommande voiceoveren av karaktärerna som interagerar i överlevnad och strategi, som kommer ihåg och framkalla vad de vill.

En triumferande återkomst för den texanska regissören som efter två mästerverk, Bad Lands (1973) och Days of Glory (1978), bestämde sig för att gå mot filmisk tystnad och växla hans passion med sökandet efter filosofiska svar som skulle vända hans kreativa erbjudande . Malick var tvungen att kringgå olika utmärkelser mot ytterligare två filmer som behandlade den nämnda krigskonflikten, det känslomässiga livet är vackert av Roberto Benigni, och den lika mästerliga räddningen Privat Ryan, Steven Spielberg.

Med tiden har emellertid övervägandet av den tunna röda linjen som ett överlägsen verk än de tidigare dominerat den polyfoniska diskussionen, eftersom polyfon är berättelsen om denna extraordinära film som segrade i Berlin och konsoliderade dess legendariska regissör ytterligare.

6. Ångesten från Veronika Voss (Die Sehnsucht der Veronika) 1982

Dir. Rainer Werner Fassbinder

Ikon för den tyska biografen och Berlinale själv, Fassbinder delade återuppkomsten av den tyska biografen från de nya perspektiven i hennes generation; de realistiska, histrioniska och nästan dokumentära eposerna från Werner Herzog, det antydande förslaget om nostalgi och längtan som om de var en resa i Wim Wenders, och den sprudlande handlingen från Wolfgang Petersen, för att nämna några, placerade den tyska biografen på en arena som samma skulle ockupera TV som biograferna för konst och box. Fassbinder bygger en vision av världen från social realism, i att fördöma, i försöket att lokalisera de nya problem och sociala fenomen som han märkte i den framväxande globaliseringen och i kontinuerlig migration, och i sin tur undersöker känslorna från dess huvudpersoner och handlingen av vardagen längs konstant dramatiska upp- och nedgångar.

I Veronika Voss's Angst utforskar Fassbinder Tysklands förstörda verklighet efter kriget och hur den positionerar sig i ett nytt fönster av ekonomisk tillväxt baserat på protektionism och den dubbla ideologin som skrämmer de inflytelser som industrin utvecklar och potentialiserar ekonomin genom att generera kontraster som är oskyldiga för dem som bebor dem från känslor, kärlek eller barndom. Stjärnens uppgång och fall, konstens uppgång, fall, återfödelse eller död från människan och dess omständigheter, gör den här filmen till ett fantastiskt verk som fungerade som ett filmatestament av den unga regissören och som fungerade som det främsta skälet till att hedra dem som dog samma år och lämnade ett outplånligt märke inte bara i Berlin utan över hela världen.

5. Alphaville (Alphaville) 1965

Dir. Jean-Luc Godard

Maximal representant för den nya franska biografen, för den nya vågen som skulle täcka och spill helt i världen och uppmuntra lyrisk, teknisk och kreativ kreativitet i hanteringen av bild, musik och röst.

Jean-Luc Godard gjorde 60-talet sitt decennium, liksom Fellini, Antonioni, Truffaut, Schlesinger, Resnais, Buñuel, Claude Lelouch, Varda, Rocha, bland andra, som satte standarden för att definiera sina respektive länder med ett genuint perspektiv. Godard populariserade sin stil och definierade ett nytt sätt att göra filmer och göra det universellt; samtidigt utgör det från science fiction uppoffret som människan kan nå för att bevara sin frihet eller sina känslor, mitt i ett totalitärt system. Alphaville frågar om lycka eller möjligheten att vara lycklig hjälper till att undvika vad våra sinnen, människor och deras känslor ger oss.

I enlighet med olika litterära science-fiction-verk som bröt till filmkraft under de kommande åren, presenterar Godard en dystopisk framtid där det inte är tillåtet att fråga eller känna. Berlin tilldelar banan för den nya franska vågen och gör dessutom en social kritik som varnar förutsättningen att förhindra tillkomsten av nya totalitarismer precis när ungdom är närvarande och uttrycks, och skapar sociala rörelser födda i ungdomar som kommer att definiera i mycket, 60-talet.

4. A Separation (A Separation) 2011

Dir. Asghard Farhadi

Asiatisk film har representerats av olika band och kultregissörer på Berlinale, men det var utan tvekan en separation, av Asghard Farhadi, som hittills inte skapade en utan flera kategorier av den prestigefyllda tyska festivalen. Separationen som ämne, den politiska situationen som en omständighet och migration som ett resultat av ett sammanhang som bestämmer den medelklassen i Iran som dess huvudpersoner tillhör, involverar en kärlekshistoria som är låst mellan längtan, förtvivlan, avgång och möjligheten som ett diffust alternativ.

Farhardi väcker det oupplösliga skilsmässebeslutet hos ett par som efter det frånvarande avtalet mellan att stanna eller lämna Theran väljer att separera och resa olika vägar, även om kärlek inte är en av orsakerna. Leila Hatami spelar Simín, hustrun som inte vill lämna sitt hemland, medan Peyman Moaadí karaktäriserar Nader, mannen som inte vill lämna sin stad eller sin far, som lider av Alzheimers. Sarina Farhadi när Termé slutför kärnkraftsbilden av en familj som, inför en mängd situationer och konflikter, måste väga sin framtid för beslutet av ett barn som inte längre tar sig av sig, men tystnaden som ligger framöver som svar.

3. Chihiro's Journey (Sprited Away) 1993

Dir. Hayao Miyazaki

Fortsatt med den asiatiska biografen och dess inverkan på Berlinale, sned Hayao Miyazaki gränserna för filmberättelsen på festivalen, när han 2001 erövrade Berlin och alla städer och länder där det mästerverk av animationen från 2000-talet visades . Miyazaki fördjupar livet och döden som en resa, drömmar, önskningar och illusioner före mänsklighetens förlust och sökandet efter frihet som en metafor som framgår av den fantasi som möjliggör det.

Chihiros föräldrar verkar bli svin när de kommer in i en magisk stad, som på natten verkar leva och påverka besökarna som ett trollformel; Chihiro kämpar sedan för att avsluta förbannelserna och befria miljön och hans föräldrar, samtidigt som han inser att det imaginära händer i deras drömmar, eller i en alternativ verklighet där deras föräldrar väntar utan att bli förtrollade. Chihiros resa representerar en klimatpunkt i Miyazakis kinematografi och en av de mest berömda filmerna i animerad filmhistoria.

2. Vilda jordgubbar 1958

Dir. Ingmar Bergman

Årtionden av 50-talet bevittnade den kreativa och filosofiska uppsvingen av den svenska mästaren Ingmar Bergman, den sjunde sälen och vilda jordgubbar är bevis på detta, och det är den senare som befolkade Berlinalen med smickre, där han fick högsta pris och de estetiska och tolkande venerna i den kinematografiska stilen för den ursprungliga regissören för Uppsala berömdes. Resan som ett berättelsesscenario, som återkommer i festivalens pristagarfilmer genom sin historia, visar en existensiell resa som tränar till argument och tanken som härrör från den ständiga reflektionen om människors liv, död och existens. Rädslan för mardrömmen som gör drömmar till en varning är den dramatiska vändningen som gör huvudpersonen, Isak Borg, spelad av Victor Sjöström, orsaken till en resa i sällskap med hans svärföräldrar, på en generationsbro som är klar med tre unga människor förenade av kärlek eller önskan efter lust som gror när vilda jordgubbar gror. Ålderdom, begravningen som ses av den döda mannen och födelsen som ett alternativ till fri vilja, dyker upp och försvinner som situationer som utgör Isaks drömmar och som på sin topp får honom att ifrågasätta Guds existens och genom den dubbleringen, i en ensamhet som blir en korallod, hittar mening i livet genom ord, sällskap och leende, som ger filmen en positiv aspekt som firar livet. Bergman undersöker genom karaktärer erkännandet av tidigare dagar och framtiden, prestationer och arv som överskrider tro från drömmen.

1. Magnolia (Magnolia) 1999

Direktör Paul Thomas Anderson

Det var slutet av årtusendet, rädsla, ångest, philias och fobier dominerade de begynnande men framväxande sociala nätverk och massmedia; Internet testades fullständigt för att meddela sekelskiftet och dess troliga konsekvenser av kaos och transformation; tillkomsten av en osäker framtid, att bli och dess galenskap, av osäkerhet. Slutet på historien, dess omskrivning eller botten av ett bottenlöst svart hål, kvalificerade årets sista månader; Hoppet var inte ett konstant, rädsla var en möjlighet, matematiken skulle falla och världen skulle ge efter för sina egna regler med hjälp av oavkännbara förkortningar. Inget av detta hände, åtminstone enligt vad som anges vid nolltimmar den första dagen år 2000.

Allt hände senare, långsamt och långsamt. Efter 2001 skulle ingenting vara detsamma i världen, ingenting, inte ens rädslan skulle vara detsamma, det kända skulle vara okänt och från och med då skulle försiktighetsåtgärderna vara mot det oförutsedda. Så också biografen såg nedbrytningen, övergången, det kollektiva självmordet av förtvivlan; American Beauty myntades som vinnaren av Oscar för bästa film, men en film som släpptes i december 1999 skulle förbli i minnet, inte i historien, som en permanent varning från ett samhälle som fortsätter att söka efter sitt utrymme vid fel tidpunkt.

Paul Thomas Anderson kondenserar fallet av postmodernitet och dess sökning efter identiteter i en bit smärta, ånger, tomhet och förtvivlan; Var och en av karaktärerna som är sammankopplade med chans, med slump eller med olycka, bär sina linjer och särskilt i sina uttryck, summan av all rädsla och ångest som motsvarar bristen på tillgivenhet, vidhäftning och motiv. Sökandet efter ett tillstånd av lycka som inte verkar existera, avgång, klar dröm eller masker som täcker de hemliga avsikterna kännetecknar musiknoterna till en delad låt, av ett snällt skratt, en trasig begäran, av ett misslyckat försök och av goda gärningar utan syfte eller mening. Magnolia är en vacker sida i historien om samtidsbiografen, vacker även om det gör ont, vackra men skrämmande, vackra även om det i sig själv verkar beklagligt eller oattraktivt.

Överflödet av fantastiska föreställningar lämnar sitt märke som om papperet var den duk där tidvattnet passar, skakningarna och regnbågen i slutet av stormen. Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman, Jason Robards - i sin sista roll - bland annat följer den kraftfulla, kyniska, känsliga och kanske bästa prestationen i Tom Cruises karriär, att göra Magnolia till en av decenniets bästa filmer, en individuell och kollektiv reflektion över paradoxen, känslor, anknytningar, bekräftelsen av en stor regissör och tillkomsten av ett regn impregnerat med de tomma postmoderna aroma.

* Iván Uriel Atanacio Medellín . Författare och dokumentärproducent. Ansåg vara en av de ledande exponenterna för vittnesmålslitteratur på det spanska språket. Hans romaner El surco och El Ítamo (Universidad Veracruzana, 2015), som behandlar universell migration, har studerats vid olika universitet världen över . Han regisserade dokumentärerna The Human Voice and Rest Day . Han är redaktörschef för Filmakersmovie.com.