" "

Anteckningar om "Det fanns en far" av Yasujiro Ozu

Granskningen av en klassiker som denna är alltid en anledning till firandet. "There was a far" är ett prov inte bara av bra bio, utan också av tidlös konst. Den delikathet som Ozu viskar till oss denna berättelse, dess totala frånvaro av storhetskraft, borde tjäna som ett exempel mot de "gesterna av geni" som sprider sig i samtida författarkino.

I Det fanns en far, lyckas Ozu rädda för celluloiden inget mindre än ett liv: det som delas av en far och hans son.

Den tillfälliga kondensen som den här filmen är kapabel till är överraskande. De enorma ellipserna skapar knappast olägenheten hos en fjärilsfladder; Tio år presenteras i en omärkbar veck, med den förflutna lättheten, och vad som kan vara en överdriven filmlicens, i Ozu blir det ett nästan naturligt alternativ: en dag säger du "tio år har gått", och det är det .

Den oförklarliga naturlighet som fadern åldras med gör oss verkligen svåra att tro att vi står inför en fiktion. Ozu rör oss djupt, utan lumska resurser, med verkliga känslor. Om vi ​​grälar med hans död är det inte för att vi har manipulerats i en sådan riktning, utan för att vi delar sonens sorg, all hans inre fördömelse, som om vi verkligen åtföljde honom i de sista ögonblicken i hans fars liv.

Sann känslor, sann filmografi.

Fäster uppmärksamhet på användningen som Ozu använder av vissa plan, som vi kan kalla hängplan, där det är begränsat vid filmning av inerta föremål. Dessa plan artikulerar filmen poetiskt och infogar mellan båda karaktärernas omväxlingar en anteckning av djup betydelse och effektiv estetisk effekt. Objekt verkar ostörda; framför dem, inför deras chockerande tystnad, människans liv upplöses utan eftergivande. Hans närvaro är en påminnelse om vår oundvikliga och mänskliga tillfällighet.

Filmens huvudtema är utan tvekan tid, dess ostoppbara drag, otillåtenhet och förfall som vi oundvikligen utsätts för; men också tullens styvhet i tidens Japan. Sonens leende verkar som en irriterande mask som vi skulle vilja riva bort. I traditionella Japan ligger känslor i en mörk bakgrund som individer verkar inte ha tillgång till men riskerar att kasta sig i det mest fruktansvärda förlöjligandet. "Gråt inte" berättas sonen om och om igen att han vill gråta och inte skratta. Redan på tåget, som spettar igen sin leende mask, kommer det att bli hans framtida hustru som, frisläppt av hennes feminina tillstånd, brast i tårar istället.

Filmens karaktärers goda sätt och förfinade sätt, ibland besvärande, upprätthåller all spänning i det interna dramaet, och mästerligt återger det sätt på vilket det civiliserade och medvetna livet skiljer oss från vår egen skugga. Den överdrivna artigheten av förhållanden döljer en våldsam magma som slår under jorden under hela filmen.

Överväldigande final, där vi tvivlar på om det är ljudet från tåget eller den hjärtskärande gråt från sonen som går förlorad på horisonten.

Magistral.